Notre Géant est grand

 Exit Bertrand & ; il s’appelle dorénavant Ton Géant et sort un album du même nom. C’est magnifiquement écrit, réalisé et interprété.

Bertrand & ne cessera de nous étonner. On le sait : c’est l’un des chanteurs-compositeurs-interprètes les plus doués de la capitale picarde. Mais là, il dépasse les bornes : il excelle. Son Ton géant est un petit bijou. Ecriture précise, limpide, poétique et littéraire ; arrangements superbes (avec cordes, cuivres, etc.) ; interprétation pleine d’émotion. Cet album mérite, sans conteste, une reconnaissance nationale. Il a répondu à nos questions.

Le titre de cet album est Ton géant. Mais sous quel nom avez-vous enregistré ce disque ? Bertrand &, Bertrand, Bertrand Devendeville ?

C’est le nom du disque, et désormais mon nom d’artiste. C’est bien sûr un surnom qu’on m’a donné. Comme je mesure 1,92m… Et puis il arrive toujours des choses incroyables aux géants. Ça ramène à l’enfance aussi.

Quand, où et avec qui avez-vous enregistré ce disque ?

Le plus gros de l’album a été composé, écrit et enregistré en six mois, depuis fin octobre dernier. J’ai d’abord composé des maquettes d’une vingtaine de titres en moins d’un mois. J’ai fait le tri des chans

Bertrand & est devenu Ton Géant.

ons les plus abouties, et arrangé les morceaux pour qu’ils puissent être joués par un quatuor à cordes composé de Caroline Mambou, Bertrand Blandin, Marwen Kammarti, Adrien Noble et Romain Dubuis, au piano. L’enregistrement des instruments acoustiques s’est fait au Théâtre des poissons, un lieu magique près de Beauvais.

Quelle tonalité, quelles ambiances, souhaitiez-vous lui donner ?

 

Cet album est comme une photo proposée à la caisse des montagnes russes sentimentales. J’ai longtemps nié que c’était un exutoire, alors que c’est pourtant le cas. Sur le moment, je n’avais pas d’autre objectif que d’aller au bout du projet. Et plus les chansons prenaient corps, plus je retrouvais le plaisir de faire des arrangements, comme au temps de Bertrand et sa Groovebox, il y a 15 ans.  C’est aussi un retour aux textes, à la chanson, avec une volonté de remettre le propos au premier plan. Il y a aussi un peu de défi. Composer pour cinq musiciens, sur un format assez classique, alors que je ne lis pas la musique, c’est grisant.

Vos textes sont remarquablement écrits, très poétiques et simples à la fois. Les travaillez-vous beaucoup ?

Merci pour le compliment ! Cela dépend des chansons. « Heureux » a été écrit en un jet. « Bételgeuse » est un long aller-retour. Ces derniers mois, j’écrivais beaucoup, et je jette aussi pas mal. Je ne serais pas surpris que certains textes se modifient aussi au gré des concerts. J’ai souvent changé ma manière d’aborder l’écriture de chansons. Comme pour le sport, c’est un entraînement : on s’améliore à force de pratiquer. Il faut de bonnes raisons d’écrire, aussi.

Ils sont souvent empreints d’une certaine mélancolie, et parlent souvent de rupture. Etait-ce voulu et répondiez-vous à votre état d’esprit du moment ?

Bien entendu, une rupture m’a fait écrire. Les muses les plus efficaces sont celles qui se cassent. C’était le moment pour ça. Depuis, j’ai grandi, un peu. J’ai volontairement pris peu de distances au moment de l‘écriture entre ce que je ressentais et ce que j’écrivais. En concert, je prends du recul désormais.

 

A quel chanteur, à quel artiste, à quel groupe avez-vous pensé en composant cet album ?

Jolene, mais c’est peu diffusé.

 Sinon, quels sont les artistes qui vous ont influencé ?

C’est assez dur, surtout maintenant que nous avons accès à tant d’oeuvres musicales, graphiques… En ce moment, je vénère Chilly Gonzales et ses projets avec le Kaiser Quartet. Feu ! Chatterton, même si ça ne doit pas beaucoup s’entendre. Alexis HK, pour sa justesse d’écriture. François Glineur aussi, le peintre amiénois aux tableaux très colorés. Il avait son atelier presque au-dessus de mon studio il y a des années. J’aimerais avoir sa force de travail. Christophe Flers, un photographe amiénois, a guidé sans s’en rendre compte le début de mon projet. Grâce à lui, j’ai simplifié. J’ai vu Albin de la Simone en concert dernièrement. Je connais peu son travail, sinon, il m’aurait influencé aussi.

A quand remonte votre dernier album et pouvez-vous nous parler de vos autres anciennes productions ?

J’ai fait trois albums entre 2004 et 2009, sous le nom de Bertrand &… , et un live enregistré dans les rues. Jusqu’à l’année dernière, j’ai fait pas mal de spectacles de rue, et d’ateliers d’écriture. Un nouvel album n’était pas dans mes prévisions. J’avais plus ou moins tourné la page. Maintenant, c’est sûr, j’en referais.

Votre disque est-il une autoproduction ? Il bénéficie, en tout cas, d’une distribution. Parlez-nous de cet aspect logistique et bizness (où peut-on le trouver, par exemple ?).

C’est une auto-prod, avec le soutien de y’a comme un Lézard, qui sera distribué en France par InOuïe distrib. Le 6 octobre, et sur les plateformes de streaming. En attendant, il est disponible à la malle à disque et à la librairie les racines du monde dès à présent.

 

Quels sont vos projets ?

Un concert est prévu au Théâtre des Poissons le 6 octobre. D’autres dates sont en cours. J’ai aussi un spectacle de rue, et je travaille sur un livre. Cet album m’a redonné envie de composer. Depuis quelques années, j’avais mis la chanson un peu en stand by. J’espère changer ça. L’envie est revenue.

Pourquoi, sur la pochette de votre disque, toutes les chansons sont censées durer 3’30 alors qu’il n’en est rien ?

Il paraît que le bon format pour une chanson est 3’30’’. Ainsi, sur le papier, c’est respecté… Ou c’est une erreur. Ou ça faisait joli. À vrai dire, je n’en sais rien. Elles auraient dû faire 22’22, ça aurait duré plus longtemps…

« Je souhaiterais qu’hier soit remis à demain. » Comment trouve-t-on une phrase aussi sublime ?

En regardant derrière soi.  C’était de bien belles journées.

Propos recueillis par PHILIPPE LACOCHE

 

 

 

François Long, des Rabeats : « Le frisson absolu ! »

Le bassiste des Rabeats est ravi de reprendre l’album « Sgt. Pepper’s » sur scène, et notamment au festival Rétro C Trop, qui aura lieu ce weekend (24 et 25 juin), à Tilloloy, dans la Somme.

François Long, qu’est-ce que ça vous fait de reprendre sur scène l’intégral de cet album mythique qu’est « Sgt. Pepper’s » ?

Ca me fait super plaisir car c’est un monument de la musique pop. C’est aussi une réponse à Pet Sounds, des Beach Boys.  Et ce disque des Beatles est surtout une carte blanche, un permis de tuer ; ils ont ouvert plein de chemins dans le domaine de l’enregistrement en studio. Ils ont utilisé des techniques méconnues jusque-là, ou si ce n’est par quelques grouillots qui rêvaient de travailler derrière les manettes et qui, grâce aux Beatles, se sont retrouvés derrière les manettes (Geoff Emerick, pour ne pas le nommer). Ce disque est un pas de géant qui a été fait dans la conception d’un album.

Sur scène, il y a un orchestre symphonique avec cuivres, bois, cordes, etc. Qu’est-ce que ça change pour vous, Rabeats, qui êtes habitués à jouer en quatuor comme les Beatles ?

On entend enfin des arrangements que nous avions dans la tête.

Et c’est magnifique ?

Oui, tout à fait. C’est le frisson absolu.

Est-ce plus compliqué pour jouer ?

Non, ce n’est pas plus compliqué mais ça n’est pas simple. De notre part, une adaptation a été nécessaire.  Là, on laisse la place à des instruments dont on n’a pas l’habitude.  Franchement, je trouve que ça le fait !

Y a-t-il un tuba ?

Non mais il y a un sax baryton et un violoncelle qui descend dans les graves. Il faut du grave !

Quel est le morceau de Sgt. Pepper’s qui vous parle le plus ?

Ce n’est peut-être pas mon morceau préféré, mais à jouer et en matière de difficultés à reproduire sur scène, c’est « Being for the Benefit of Mr. Kite! »

Et vos collègues et amis des Rabeats ?

Chacun a son propre morceau fétiche…. Il y a aussi un morceau que je chante et que je joue au sitar c’est « Within You Without You », de George Harrison. C’est un autre domaine ; ce n’est pas qu’une instrumentation classique ; c’est de la musique indienne avec des structures biens particulières, des tempos bien particuliers. C’est la continuité de ce que faisait déjà quelques années avant, George Harrison. Je ne vais pas dire qu’il n’y a pas de surprise, mais la surprise, c’est aussi de le jouer avec un orchestre classique.

Pourquoi enchaîner sur scène sur l’album « Magical Mystery Tour » ?

Parce que ces deux albums sont sortis tous deux en 1967.

The Rabeats.

Ce sont deux albums assez différents, au final ?

Ils ne sont pas si différents mais je pense que Magical Mystery Tour est plus reposé ? Il est un peu moins fou. Le son est aussi un peu différent. Je ne sais plus si c’est Geoff Emerick qui bosse sur Magical Mystery Tour.  Lui, Geoff Emerick, c’est vraiment le preneur de son qui a permis aux Beatles d’apporter des idées totalement nouvelles et de les mettre sur bande.

Qui a réalisé les arrangements pour la scène ?

C’est le chef de l’orchestre de la formation classique ; il s’appelle Pascal Pfeiffer. Il est sur scène ; il joue du clavier, du piano, de l’harmonium, du synthé, etc. Il dirige la partie classique et quelques points névralgiques nous concernant ; une belle rencontre.

Comment les avez-vous rencontrés ?

Ils ont l’habitude, en Belgique, avec un orchestre symphonique beaucoup plus étendu, d’accompagner des groupes et des chanteurs ; ils sont de Liège. Ils font souvent des reprises d’Elton John.  La rencontre est récente ; ils nous ont contactés pour faire la même chose avec nous pour une soirée Beatles.  Ils voulaient arranger des morceaux sur lesquels il n’y a pas de cordes ni de cuivres.  Sur le moment, comme on tournait avec un autre spectacle, on a retardé l’échéance ; et nous est venu l’idée de Sgt. Pepper’s et de Magical Mystery Tour. On leur a alors exposé notre projet de reproduire ce qui avait été fait par des cordes et des cuivres à l’époque.  En respectant le plus possible l’arrangement d’origine. Ils ont dit OK.

Ce soir, au Théâtre du Gymnase, c’est la création ; la première en quelque sorte.  Il y aura trois dates ici. Puis, vous allez jouer à Rétro C Trop, grand festival. Qu’est-ce que ça représente pour vous ce concert ?

Déjà, on fait suffisamment peu de festivals pour que ce soit super plaisant.  A juste titre car, de plus, sont présents les Beach Boys. Donc il y a un lien entre ces musiques. C’est un réel plaisir de faire ça. Pour ma part,  je suis très content de pouvoir croiser Pretenders que j’adore et que je n’ai jamais vu sur scène.  Cela dit, je n’ai jamais vu les Beach Boys. Je pense qu’on va passer un bel après-midi et une bonne soirée.

Ensuite, vous enchaînerez sur une tournée. Où celle-ci va-t-elle vous mener ?

Pour l’instant, il y a des dates réparties dans toute la France.  Je pense qu’avec nos prestations parisiennes, cela va déclencher d’autres concerts. Cette tournée devrait commencer en octobre.

Y aura-t-il un crochet par la Picardie après Tilloloy ?

Cela fait trois ans que nous n’avons pas joué à Amiens.  Et on s’arrange toujours pour commencer par une date parisienne et terminer par une date amiénoise.  Pour le spectacle qu’on tourne actuellement (hors Sgt. Pepper’s), on n’a pas encore fait la date amiénoise.  On a hâte.

Il n’est donc pas impossible que « Sgt. Peppers » soit joué à Amiens.

Ce n’est pas impossible.  En tout cas, je ferai tout pour qu’on y aille.

                                         Propos recueillis par PHILIPPE LACOCHE

 

Grandiose!

On connaissait le talent des Rabeats. Le jeudi 8 juin, lors de la première de la création de leur spectacle Sgt. Pepper’s (suivi de Magical Mystery Tour), au théâtre du Gymnase, à Paris, le quatuor amiénois a démontré qu’il était en mesure de donner dans le grandiose. Il fallait une bonne dose de culot aux Rabeats et à leur mentor Philippe Tassart, le Brian Epstein de Roye, pour oser reprendre sur scène les chansons de deux albums aussi mythiques que Sgt. Pepper’s et Magical Mystery Tour. Ils l’ont fait; ils ont réussi. N’en déplaise au grand spécialiste européen des Beatles, Jacques Volcouve, qui, au cours d’une récente émission sur France Inter, émettait des réserves sur les Fab Four amiénois. Sly, le chanteur principal, excelle, soutenu avec efficacité et subtilité par le batteur Flamm, le guitariste solo Marcello, et le bassiste François Long. Ce dernier nous donnera même un aperçu de son talent au sitar lors du morceau de George Harrison, «Within You Without You». Les costumes, les éclairages et la mise en scène sont superbes; l’accord est parfait avec le fabuleux orchestre symphonique (cordes, bois, cuivres) dirigé par Pascal Pfeiffer. La salle était pleine à craquer. (Beaucoup de très jeunes gens.) Et la salle se levait comme un seul homme et chantait en chœur «With a Little Help from My Friends», «Lucy in the Sky with Diamonds», «Getting Better», etc. C’était doux, fraternel. Pas seulement grâce au génie des Beatles. Mais aussi et surtout grâce au talent des Rabeats. Ph.L.

 

À SAVOIR

Rétro’C’Trop Samedi 24 et dimanche 25 juin, au château de Tilloloy, dans la Somme.

Samedi. 15h30, Sarah Olivier («C’est une bête de scène!» dit d’elle Philippe Tassart, le créateur de Rétro C Trop); 16h45, Wilko Johnson (ancien guitariste de Dr. Feelgood; un fantastique guitariste titulaire d’une main droite impressionnante); 18h30, Blue Öyster Cult (gang de rock et de heavy metal originaire de Long Island; il n’effectuera que deux dates en France); 20h15, The Stranglers (un quatuor mythique né dans les années punk, en 1974); 22h Les Insus (reformation de l’ancien groupe Téléphone).

Dimanche. 15h, The Rabeats; 16h45, Uriah Heep (groupe de rock influent au cours des seventies); 18h30, The Beach Boys (à l’instar des Beatles, la pop music leur doit tout); 20h15, The Pretenders (la sensuelle et si rock chanteuse Chrissie Hynde est de retour sur scène); 22h, Matmatah (ils ont enregistré leur nouvel album en Angleterre l’an passé).

Billetterie. Pass 2 jour: 95 €; pass 2 jours + camping: 115 €; billet samedi: 59 €; billet dimanche: 49 €.

Points de vente. Fnac et hypermarchés, www.ginger.fr; www.ticketmaster.fr; www.ticketnet.fr; www.fnac.com; www.digitic.com

Toutes les informations pratiques, notamment les mesures de sécurité, sur le site www.retroctrop.fr

 

 

Les coups de coeur du marquis…

Les vertus de Ray Davies

Comment ne pas aimer les Kinks? Comment ne pas aimer Ray Davies? Impossible. Sens aigu de la mélodie, harmonies acidulées, textes d’une justesse et d’une poésie incomparables. Les Kinks, fils de prolos, furent les parangons d’un rock british racé, aristocratique, manière de hussards rouges car Ray Davies n’a jamais eu la langue dans sa poche quand il s’agissait de décrire la dureté de la condition ouvrière, notamment au sortir de la guerre. Nos bons amis Fridolins et leurs bombes maudites n’avaient pas fait de cadeau à nos alliés britanniques. Ce disque est beau et bon comme tout ce que fait Ray Davies depuis des lustres. Certes, il sonne plus ricain que british; cela ne retire rien à son charme. Ph.L.

Americana, Ray Davies. Sony Music.

 

Philippe Tassart : « On est un festival atypique ! »

 

Philippe Tassart est fier de faire jouer les Insus dans le cadre du festival Rétro C Trop.

Les Beach Boys.

Patron de la société Ginger, créateur du festival Rétro C Trop (24 et 25 juin, au château de Tilloloy), Philippe Tassart explique comment il s’y prend pour faire jouer les plus grands.

Philippe Tassart, quels seront les artistes programmés à cette deuxième édition de Rétro C Trop ?

Nous sommes parvenus à convaincre Les Insus que nous voulions déjà inviter l’an passé car le titre du festival est issu d’un morceau de Téléphone : « Métro, c’est trop ! ». Les Stranglers seront là également ; il s’agit de la formation de Jean-Jacques Burnell, bassiste français. Il y aura aussi Sarah Olivier, une fille avec qui on a déjà travaillé et qui était en première partie des Insus au Zénith d’Amiens. C’est une Parisienne qui fait une musique assez barrée ; être la chanson contemporaine, le jazz et le reggae. C’est une bête de scène. Elle sera accompagnée par Steven Harrison qui était le contrebassiste de Sons of the Desert. C’est un peu ma famille. On a aussi Blue Öyster Cult,  qui est toujours en activité et qui ne donnera que deux dates en France. A la programmation du samedi également : Wilko Johnson, célèbre guitariste de Dr. Feelgood. Ceci c’est juste pour le samedi.

Comment vous y prenez-vous pour parvenir à réunir à la même affiche les Beach Boys et tous des grands groupes mythiques ?

C’est un travail de très longue haleine. Ca prend environ six à sept mois, surtout pour un festival naissant comme le nôtre car c’est seulement notre deuxième édition. Nous parvenons à proposer cette programmation grâce à notre tissu relationnel bâti depuis de nombreuses années en Picardie avec des groupes internationaux. Nous avons bon nombre de contact avec des groupes en direct ; nous traitons directement avec les artistes. Il nous arrive de travailler avec des sociétés françaises qui nous aident bien. C’est important de se positionner à l’échelon international car on est un festival atypique. On ne fait pas la même chose que les autres. Les Stranglers, personne ne les a. J’ai envie de faire plaisir à des gens qui ont une culture musicale ; des gens qui aiment la musique avec passion. C’est mon cas. C’est mon cas ; c’est pour ça que j’ai fondé ce festival. Il n’est pas destiné à des gens qui ont forcément 20 ans, bien que… On s’aperçoit que la jeunesse aime les groupes qui ont 50 ou 60 balais parce qu’ils représentent l’histoire de la musique. Un gamin qui joue de la musique aujourd’hui s’est forcément inspiré un jour ou l’autre de ces groupes-là. Nous avons accueilli énormément de jeunes au cours de la première édition du festival.

Parmi les groupes qui constituent cette belle affiche, quel est celui ou ceux qui vous font le plus rêver ?

Evidemment, ce sont les Beach Boys car, une fois encore, on touche ici à l’histoire de la musique. L’an dernier, j’ai produit le concert du cinquantième anniversaire de la carrière de Donovan, à l’Olympia, et j’ai rencontré à nouveau les Beach Boys la semaine dernière à l’Olympia. On a longtemps parlé de cette histoire de la musique au cours de laquelle les Beach Boys étaient les concurrents directs des Beatles. Les Beach Boys ont créé un certain style de musique qu’on écoute encore aujourd’hui et qui était tellement en vogue dans les années 1960. Les Beatles s’en sont inspirés pour écrire Sgt. Pepper’s. Ils se sont surtout inspirés de l’album Pet Sounds. Ma grande fierté, c’est donc de faire venir les Beach Boys. Et c’est derniers disent qu’ils ont été influencés par Revolver. Donc, la boucle est bouclée. Mon autre grande fierté, c’est d’être parvenu à faire jouer les Rabeats qui sont des artistes avec lesquels je travaille depuis vingt ans. Donc, je parviens ici à mélanger l’histoire des Beatles (à travers les Rabeats) et celle des Beach Boys. Sur scène, les Beach Boys expliquent bien, entre chaque morceau, l’histoire de leur groupe. Ils racontent notamment qu’ils sont tous partis en Inde, ce grâce à Donovan qui les a emmenés. Ils sont allés à la rencontre de la méditation transcendantale  et la rencontre du sitar, de Ravi Shankar. Mon autre fierté, c’est de faire venir les Insus, donc Téléphone, sur cet événement. On a tous démarré dans le métier avec Téléphone car on a le même âge. Ils sont, en fait, un poil plus vieux que nous. J’ai commencé par être DJ. Si je ne passais pas trois morceaux de Téléphone, ce n’était pas une bonne soirée. Je reviens au fameux Rex, de Roye, et à la boîte de Gury. Je suis très fier d’être parvenu à redynamiser ce coin du Santerre et du Trait vert, et à refaire de la musique dans ce coin.  Le Rex et la boîte de Gury n’existent plus. Il n’y avait donc plus de musique rock. Quand on y regarde d’un peu plus près, ce que je programme aujourd’hui ce sont les musiques que je passais quand j’avais 20 ans. Je n’ai pas tellement changé. Ce que je fais aujourd’hui c’est ce que je faisais quand j’étais DJ. Et pouvoir programmer les vrais groupes que je programmais sur mes platines de DJ, c’est juste un rêve. C’est génial !

Le château de Tilloloy est un lieu très historiquement ; c’est aussi le lieu de votre enfance.

Je suis issu du milieu agricole local. Maes grands-parents étaient des paysans qui allaient payer leur fermage à la comtesse d’Hinnisdal. Il y avait déjà un lien avec ma famille depuis très longtemps. J’ai toujours adoré cet endroit. J’y vais depuis que je suis tout petit. Il y a toujours un truc magique qui se produit quand on rentre dans le château. Il y a une grandeur, une architecture, une histoire. C’était le monument historique le plus proche du lieu où je suis né. Je regrette vraiment d’avoir mis autant de temps pour me lancer dans cette aventure. Si je m’y étais mis plus tôt, le festival aurait aujourd’hui plus d’années. Mais il n’est jamais trop tard pour bien faire. C’est un retour à mes racines, en quelque sorte. Un retour vers les gens que j’aime. Des gens qui m’ont donné ma chance. Comme Jeannot et Marie, du Rex. Je suis content, aujourd’hui, de travailler juste en face d’où j’ai démarré car j’ai fait, cette année, la programmation du théâtre de Roye. La culture revient dans ce pays.

Blaise Cendrars, écrivain et poète, a combattu au château de Tilloloy (il en parle notamment dans son récit La Main coupée). Vous ne citez pas dans la promotion de ce festival. Pourtant, sa vie était très rock’n’roll, ce avant l’heure. Pourquoi ?

On n’est pas du tout dans cette esthétique littéraire. On est très loin de tout ça. Si j’organise d’autres événements dans ce château, pourquoi ne pas imaginer une thématique autour de Cendrars, avec ses influences, et les influences qu’il a eues sur les autres ?

Exemple : Bernard Lavilliers qui a toujours adoré Cendrars.

Exactement. Il y a effectivement quelque chose à faire mais ce n’est pas ce que j’ai voulu réaliser avec Rétro C Trop.

Les temps sont durs avec les attentats. Vous avez certainement dû renforcer la sécurité aux abords et à l’intérieur du festival.

J’ai envie de dire que j’en ai marre qu’on parle des attentats. Le lendemain de ceux de Manchester, il n’y a jamais eu autant de concerts donnés pour dire aux gens : « Allez-vous faire foutre, nous on aime la culture, et le reste on s’en fout. »

Cependant toute la population y pense.

C’est vrai, mais arrêtons d’y penser car ça pénalise nos métiers. Ca retire des gens des salles. La fatalité existe. Malgré tous les systèmes de sécurité qu’on pourra mettre en place, on ne pourra jamais arrêter un fou. Il aura toujours une idée pour détourner ces systèmes. Evidemment, nous avons mis en place des systèmes de sécurité renforcés depuis le 13 novembre ; cela fait partie d’une demande du ministère de la Culture et du ministère de l’Intérieur. A ce propos, j’ai participé aux premières réunions de sécurité. Dès le surlendemain des attentats, je faisais partie d’une équipe d’une centaine de personnes, ce sur le plan national. Il faut arrêter de parler de ça ; ça fait peur aux gens.

Comment vont les Beach Boys, malgré leur grand âge ?

Franchement, beaucoup de gens me disaient… enfin, me parlaient de Brian Wilson… J’ai eu l’occasion de voir les deux concerts. D’un côté, j’ai vu une oeuvre ; celle de Pet Sounds. C’est tellement bien joué, mais sans âme, sans cœur, sans vitalité. Ensuite, je suis allé à l’Olympia voir les Beach Boys, et j’ai passé deux heures debout, à danser avec les gens. Leur musique est très vivante ; ils enchaînent les tubes, reviennent sur des musiques plus difficiles. Ils font des petits hommages aux Beatles, à Chuck Berry. Il y a plein d’anecdotes sur leur passé. J’ai adoré ce concert à l’Olympia. Ils ont la niaque ; ils courent dans tous les sens. Ce n’est pas du tout le cas de Brian Wilson qui est derrière son clavier ; il ne se passe rien ; il est fatigué.

Avec une telle programmation, comment faites-vous pour vous en sortir financièrement ?

Non, je ne m’en sors pas. La première année a été un investissement. On savait qu’il nous faudrait plusieurs années pour rentabiliser un festival comme celui-là. On est dans une stratégie sur trois ans. La première année était déficitaire ; on espère que cette année ne le sera pas.  On espère recouvrer nos investissements sur trois ans.

Quel est le coût de l’investissement cette année ?

Un budget d’un million d’euros. Pour un privé, c’est énorme car nous ne bénéficions d’aucune aide publique. Il n’y a quasiment aucun festival en France de cette envergure qui soit supporté par une entreprise privée. Ma femme et moi, on met notre vie en jeu tous les jours.

L’investissement est-il plus important que celui de l’an dernier ?

Il est de 300 000 euros supérieur à celui de l’an dernier. Cette année il est d’un million ; l’an passé, il était de 700 000 euros.

Comment vous est venue l’idée de cette programmation 2017 ?

Je n’ai pas envie de dire que j’ai du talent, mais… je pars sur des gens disponibles, des gens qui me touchent.  Des gens qui aient été déclencheurs à un moment dans l’histoire de la musique.  Et j’essaie de les convaincre de venir.

Ce ne sont donc que des coups de cœurs. Vous n’avez, au fond, pas de stratégie.

Il n’y a pas de stratégie. En fait, les deux têtes d’affiche sont vecteurs d’un moment et d’une époque. Je n’allais pas faire baba cool autour des Insus et de Téléphone ; j’ai cherché un peu du côté du punk rock des Stranglers qui jouaient à la même époque que Téléphone. Wilko Johnson a été l’une des influences des Who, Who qui ont influencé Téléphone. Wilko Johnson est un ami de Roger Daltrey ; Téléphone sont fans des Who.

Dernière question : pourquoi vous êtes-vous laissé pousser la moustache ?

Dans le bus, quand on rentrait d’Arcachon, et on savait qu’on allait venir jouer Sgt. Pepper’s au Théâtre du Gymnase, j’ai lancé : « Bon, les gars, on se laisse tous pousser la moustache pour Sgt. Pepper’s. » Chacun des quatre musiciens et moi, avons laissé pousser la moustache pour Sgt. Pepper’s. Michel Orier, aujourd’hui directeur de la musique à la Radio France, nous a appelés pour qu’on joue Sgt. Peppers (qu’on a créé ici, au Théâtre du Gymnase), à FIP en direct, le 21 juin, ce dans le cadre d’une magnifique exposition sur Sgt. Pepper’s, exposition qui se trouve dans les locaux de la Maison de la radio. On a fait Affaire sensible qui est une belle émission. Michel Orier était présent et les Rabeats. Pour nous, c’est la consécration ; les gens qui pensaient que les Rabeats ne feraient qu’un feu de paille, que ça ne marcherait jamais, etc., Le nombre de journalistes, de médias, de radios, qui nous ont craché à la gueule, en nous disant : « Comment osez-vous reprendre les Beatles ? ». Aujourd’hui on va jouer à France Inter.  On est fier de ça.

Jacques Volcouve, spécialiste des Beatles, a un peu allumé les Rabeats, au cours de cette même émission.

J’ai envie de dire à Jacques Volcouve que les Rabeats font de la musique vivante, et que lui, il enterre les Beatles dans des cartons. Il a été méchant ; c’est ridicule. Il dit que sa collection, elle est dans des cartons. Quel intérêt ? L’intérêt de la musique, c’est d’être jouée. On vient de voir Rover – qui est artiste exceptionnel – va reprendre l’intégralité de Sgt. Pepper’s. Comment un monsieur comme Jacques Volcouve peut-il nous dire qu’on n’a pas le droit de jouer des morceaux des Beatles ? On en fait une interprétation qui est celle des Rabeats. On essaie de se rapprocher de l’original comme les faisaient Karajan et comme d’autres grands interprètes de la musique classique.

Propos recueillis par

                                         PHILIPPE LACOCHE

 

Les coups de coeur du marquis…

Le meilleur des Beatles

Même si l’ensemble de leur production discographique est géniale, Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band constitue, sans nul doute, leur meilleur disque. A l’occasion du vingtième anniversaire de sa sortie, le 1er juin 1967, Parlophone a l’excellente idée de le réédité, augmenté de versions initiales, inédites, singulières, non abouties, et d’un livret très précis. Cela pourrait être un peu ennuyeux. Non : ici, c’est un régal. Car c’est terriblement émouvant, d’entendre les balbutiements et la construction de perles comme la chanson éponyme, mais également , et même une version instrumentale et indienne de «Within you without you». Ce sont de véritables petits documents historiques que les puristes adoreront; le grand public aussi, tant ce groupe a été fondamental dans l’évolution de la pop et du rock. Ph.L.

 

Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. The Beatles. 2 CD anniversary edition. Parlophone-EMI.

Les coups de coeur du marquis…

Les coups de coeur du marquis…

Maxïmo Park très Joe Jackson

Composé de Paul Smith (chant), Duncan Lloyd (guitare), Lukas Wooler (claviers) et Tom English (batterie), Maxïmo Park est l’une des valeurs sûres de la pop indé anglaise. On peut le comprendre. Ses morceaux font mouche, épicés de grooves entraînants, piquetés d’une soul du meilleur cru et de mélodies efficaces et subtiles. Dans leurs textes, ils développent, par exemple, des messages de solidarité à l’endroit des migrants, et «leur grande colère» contre l’ordre établi de la société britannique. C’est tout à leur honneur. Ils ont écrit leurs chansons dans le Nord-Est de l’Angleterre dont ils sont originaires, mais les ont enregistrées dans le studio The Loft, à Chicago, au cours de l’automne 2016. Un bon disque, c’est induscutable, même si parfois, la ressemblance aux premiers albums de Joe Jackson (Look Sharp! et I’m the Man) est flagrante, voire parfois carrément gênante. Ph.L.

Risk to exist, Maïmo Park. Daylighting-Cooking Vinyl.

 

Attention : talent !

Attention: talent! Ce nouvel album, Nos voiles, de BaliMurphy, groupe de Bruxelles, distille onze chansons au charme certain. Elles oscillent entre la chanson, le folk, le rock’n’roll, le rockabilly, voire le skiffle, ce grâce à la fantastique et succulente guitare de Rémi Rotsaert (qui remplace François Delvoye parti vers d’autres horizons). Trémolos déchirants, reverb énamourée, riffs balancés tout crus, la six cordes de Rémi nous envoie en l’air. On est en droit de l’en remercier. Et il y a les textes. Parfaitement écrits, littéraires mais simples et sans afféterie, ils évoquent les filles, les brumes bruxelloises, l’humidité automnale. Les voix sont aussi tout autant remarquables. Un excellent disque. Ph.L.

Nos voiles, BaliMurphy. Les Disques de Bali.

Les coups de coeur du marquis…

La crème du British blues boom

Écoutez donc l’attaque de la guitare d’Eric Clapton sur ce blues délicieux blues qu’est «Sleepy time time»! Imparable! Solo précis, juteux à souhait, jamais bavard. Comme si Paul Morand ou Roger Vailland, plutôt que d’écrire, s’étaient adonnés à la guitare en plein British blues boom, à Londres, dans les middle sixties. On retrouve ce titre sur le superbe coffret, Fresh Cream, des Cream, que Polydor a eu la bonne idée de nous donner à écouter. Un régal. Fresh Cream est le premier album de Cream; il est sorti en 1966. Cream, trois musiciens anglais pur jus et les plus talentueux du moment: Eric Clapton, guitare, Jack Bruce (1943-2014), basse et Ginger Baker. Et comment passer à côté de «Spoonful»? Sur ce coffret: un CD version mono, une autre version stéréo, et des premières versions de morceaux, puis les sessions BBC et un disque audio Blu-ray. Un régal, vous dis-je!

PHILIPPE LACOCHE

Fresh Cream, Cream. Polydor.

Symphonie Birkin-Gainsbourg

«C’est un privilège que l’un des plus grands auteurs français ait écrit pour moi de mes 20 ans jusqu’à mes 45 ans», confie Jane Birkin à l’occasion de la sortie de l’album Le symphonique. Sous la direction artistique de Philippe Lerichomme, compagnon de route de Jane et de Serge depuis les années soixante-dix, 24 chansons signées Gainsbourg ont été arrangées par Nobuyuki Nakajima. Ici, le meilleur de Gainsbourg, porté par l’indicible et si singulière voix de Birkin, de «Lost Song» à «La Javanaise» en passant par le génial «Ces petits riens», «Fuir le bonheur de peur qu’il ne se sauve», «Manon», «La gadoue» et, bien sûr, «L’anam our». C’est parfois surprenant. Mais bien vite, quand la mélodie arrive, quand les paroles sortent de la jolie brume bleutée des arrangements, on en laisse porter. Emporter. Ph.L.

Le symphonique, Birkin Gainsbourg; Parlophone.

 

L’élégante mélancolie de François Long

  Cet album, magnifique et poignant, de François Long, n‘est pas né par hasard. Il est né d’une nécessité après la souffrance générée par la perte d’êtres chers. Explications.

Ce disque est poignant d’un bout à l’autre. Il est beau, apaisé, sans colère, sans rage, mais terriblement mélancolique. D’une mélancolie poignante comme celles de quelques grands artistes :  Nick Drake, Alan Wilson (de Canned Heat), Neil Young. François est un élément fort de l’excellent groupe les Rabeats ; il n’est pas que cela. Derrière la basse Höfner de McCartney, se cache un poète, un artiste qui cherche, qui lance des poignées d’étoiles de larmes dans la nuit à la recherche d’un père et d’une mère qu’il vient de perdre. Et à qui il aurait voulu dire encore plus : « Je vous aime. » Explications.

Comment est né cet album ? Où, quand et avec qui a-t-il été enregistré ?

La perte d’êtres chers m’a incité à écrire de nouveaux morceaux. Light Years From Home devait être un EP de trois ou quatre titres. Et, au final, il y en a sept dont un titre composé initialement pour l’album précédent, titre qui sera la toute première collaboration avec Elise Marianne dont le talent d’écriture et la voix aura permis de le sauver !  Elise participera à l’élaboration de trois autres titres. Sur cet album, on retrouve mes fidèles amis Flamm et Simon Postel aux batteries sur trois titres. Je me suis chargé du reste, voix, guitares, basses, claviers, programmations et mixage. Maxence Collart et Bérenger Nail ont masterisé le tout. Et comme pour le premier album, j’ai demandé à mon photographe préféré, Lwood de me faire la photo de la pochette.

« Je ne lui avais jamais dit « je t’aime »… » François Long

Expliquez-nous le titre Light years from home ? C’est un titre très stonien pour le fan de Beatles que vous êtes.

2000 light years from home! J’adore ce titre des Stones. Une facette pas super connue de ce groupe. Avec l’album Their Satanic Majesties Request, les Stones sortent leur Sgt Peppers. Il n’y a qu’un pas entre les Beatles et les Stones. Et en fin de compte, je ne suis pas beaucoup plus Beatles que Stones, je suis plutôt les deux ! À des années lumières d’ici, donc. Une façon d’illustrer l’éloignement définitif de personnes que j’aime plus que tout.

Il recèle une couleur assez sombre. Pourquoi ?

Initialement, je travaillais sur une suite à The Seven Others. Mais de récents événements m’ont inspiré bien autre chose. Le décès de mon père m’a profondément affecté… Une douleur terrible. Un vide. Puis, David Bowie est parti. Un autre vide, artistique celui-là. Il nous manque terriblement. Quelques mois plus tard, Maman est décédée. Une période difficile depuis mai 2015…

Est-ce que ce côté sombre peut s’expliquer par la poignante chanson «

La pochette du disque de François Long. Superbe photo.

», destinée à votre père défunt ?

Avec tous ces tristes événements, ce nouvel album ne pouvait pas être joyeux. J’ai d’abord écrit « The Damage is Done », que l’on peut traduire par « le mal est fait », chanson dédiée à ma mère pour qui la maladie d’Alzheimer a fait qu’elle ne s’est pas même rendue compte que Papa était parti… J’ai écrit « The Man I Love » pour mon père, me rendant compte que je ne lui avais jamais dit « je t’aime ». Ça ne se faisait pas, sûrement… Faites-le, ça ne coûte rien. C’est juste de l’amour et on en a tous besoin…

A quels artistes, chanteurs et groupes avez-vous pensé en composant ce disque ?

David Bowie, sans aucun doute. Il est pour moi l’artiste avec un grand « A ». L’artiste pluriel qui a poussé l’art, que ce soit la musique, l’écriture, la mode, l’esthétique, tout, simplement plus loin. Il expérimentait, repoussait sans cesse les limites. Un pionnier, un découvreur de talents, un guide.

Sly d’un côté ; vous de l’autres. Est-ce à dire que le groupe les Rabeats inspire ses membres et les conduise vers des albums solo ?

Je ne pense pas qu’il y est de liens directs entre nos projets solo et les Rabeats. Nous faisons notre truc, chacun dans notre coin. C’est simplement par envie, voire une nécessité légitime, d’exposer ce qu’on a en tête à un moment donné.

Quels sont vos projets ?

Je travaille sur un troisième projet, voire même un quatrième. Et simultanément, je mets tout en œuvre pour que je puisse jouer mes titres en concert, seul en acoustique ou accompagné pour une formule plus proche des albums.

                                                                   Propos recueillis par

                                                                   PHILIPPE LACOCHE

Light Years From Home, François Long. CD sept titres. (www.francoislong.fr/infolightyearsfromhome)

 

Mes coups de coeur

Des anges pour Delpech

Belle idée: demander à dix chanteurs (Marc Lavoine, Vianney, Calogero, Louane, Slimane, Alain Chamfort, Lilian Renaud, Patxi, Didier Barbelivien, Pascal Obispo) de reprendre, d’interpréter, d’adapter dix chansons du regretté Michel Delpech. «Les Divorcés», par Marc Lavoine, est poignant. Vianney s’approprie magnifiquement «Quand j’étais chanteur»; Calogerorestitue avec délicatesse la puissance poétique (André Hardellet qui se fût intéressé aux classes moyennes, aux petits techniciens commerciaux) de l’émouvante chanson «Ce lundi-là». Slimane fait michel-delpech-1vibrer la si mélancolique «Chez Laurette», tandis que le talentueux Patxi donne le meilleur de «Pour un flirt» grâce à sa belle voix acidulée. L’incontournable Didier Barbevilien (massacré par quelques critiques de la bien pensance parce qu’il avait osé rester fidèle à Sarkozy; il a le droit, non? C’est beau la fidélité) exhume la moins connue «Les aveux». Et ça finit en beauté avec «Tu me fais planer», porté par le professionnalisme élégant de Pascal Obispo. Charmant. PHILIPPE LACOCHE

J’étais un ange, Tribute à Michel Delpech. Universal.

 

Julien et l’esperluette

On a beau dire, il se passe quelque chose dans cet alum de Julien Doré. La première chanson «Porto-Vecchio», souple, longue liane, vous bondit aux oreilles. Basse ronronnante, orgue à l’ancienne. Et la voix voilée du Julien qui fait le reste. La différence. Sans oublier ce beau texte. «Coco Caline», on dirait du Chamfort; c’est un compliment. «Sublime & Silence»: facile, may be, mais cette chanson est quasiment sublime. Orgue encore, doux comme dans une chanson de Kevin Ayers; vieux synthé qui rappelle ceux des clubs du début des années 80, du côté de Saint-Quentin (Aisne) quand les filles sentaient le savon Rexona. Et puis, il y a «Le lac» qui passe beaucoup en radios; c’est mérité. Un excellent disque. Ph.L.

&, Julien Doré. Sony Music.

 

Mes coups de coeur

L'Amiénois Albin de la Simone est présent sur la compilation Saravah.

L’Amiénois Albin de la Simone est présent sur la compilation Saravah.

Il faut le Fair

Fair est une belle initiative. Les lauréats se voient attribuer une bourse de 7000 €, un soutien en communication, une aide à la diffusion en France et à l’international, des formations professionnelles et artistiques, un conseil en management et un soutien juridique. Un groupe le reconnaissait en ces termes: «Le Fair est une fin, la fin de votre enfance musicale. Le Fair est un début, le début de votre vie de musicien.» La sélection 2017 regroupe, selon les organisateurs «tout ce qui se fait de mieux en France en ce moment en termes d’électro, de hip-hop, de chanson, de rock et de pop». Difficile de ne pas tomber sous le charme du rock acidulé et garage de Johnny Mafia (de Sens), ou des atmosphères avant-gardistes de Las Aves (de Toulouse; ah, ce cri superbe du début de morceau!), ou des succulentes mélodies psychédéliques de Marietta (entre Syd Barett et les géniaux Kinks des débuts), ou la pop scintillante et superbe de 0 (de Paris), ou celle, plus sucrée, de Requin Chagrin (de Paris et Ramatuelle) et son superbe riff de guitare. Ce disque est un must.

PHILIPPE LACOCHE

Fair 2017-Ricard SA Live Music.

 

Saravah a 50 ans

Fondé en 1966 par Pierre Barouh, Saravah est l’un des plus anciens labels indépendants de musique en France. Mais il s’agit surtout d’une aventure humaine, tissée de rencontres artistiques, de coups de cœur. Tournant le dos à la rentabilité à tout prix, ce label est pourtant parvenu à durer puisqu’il fête aujourd’hui ses 50 ans. À cette occasion, un concert sera organisé le dimanche 20 novembre, au Trianon, à Paris. Sort également le présent disque qui réunit de nombreux artistes parmi lesquels Bertrand Belin (qui reprend «La bicyclette»), Albin de la Simone «(Cet enfant que je t’avais fait», en duo avec Kahimi Karie), Camélia Jordana, («Ode to Maffen»), Yolande Moreau et François Morel («C’est normal»), Bastien Lallemant «(Le goudron»), Olivia Ruiz («Le kabaret de la dernière chance»), etc. Le dessin de la pochette est signé Charles Berberian. Ph.L.

Les 50 ans de Saravah, Saravah-Socadisc.